Когда ее выставка Hauser & Wirth открывается онлайн, 81-летняя художница рассказывает нам о своих ранних впечатлениях, обучении у Дэвида Хокни и о том, почему розовый - это панк
Past Present Future: название выставки Мэри Хейлманн в Hauser & Wirth в Цюрихе, которая открывается онлайн 6 февраля из-за ограничений, связанных с пандемией, отражает тот факт, что это не обычная выставка галереи. Вместо того, чтобы раскрывать массу новых работ, выставка объединяет разнообразные работы - картины, керамику, мебель и слайд-шоу, созданные на протяжении шести десятилетий, ближе к музейному обзору. Но это отражает стремление 81-летней жительницы Сан-Франциско видеть свою работу как континуум. «Это идея, которая все время в моей голове: никакого линейного времени. Это все кусок», - говорит она. «И особенно сейчас, во время изоляции, когда я прячусь в своей студии за городом и редко куда езжу. Я одержим всеми этими мыслями о последнем времени моей жизни».
Самые ранние работы шоу относятся к 1970-м годам, когда Хейлманн начала оказывать влияние после борьбы за определение своей практики в двух кампусах Калифорнийского университета: Беркли и Дэвис. Она была зажата между своим стремлением делать радикальные работы - во время учебы она встречалась с такими художниками, как Брюс Науман, - и дисциплиной, которую она тогда выбрала: керамической скульптурой. «Я поехал в Дэвис, чтобы встретиться с Уильямом Уайли, потому что мне было тяжело в Беркли, потому что я пытался заниматься резким, радикальным искусством - меня вдохновляли Джон Маклафлин, Ева Хессе, Роберт Смитсон и тому подобное. И [в Беркли] они по-прежнему были традиционными скульпторами Нью-Йоркской школы». Она признает, что у нее тоже было «большое отношение».
Ее свирепость часто была необходима в мире искусства, где доминируют мужчины, особенно в Нью-Йорке, собравшемся вокруг легендарного бара Max’s Kansas City. Антагонизм был «стилем женщин-художников, потому что вы были чем-то вроде врага или аутсайдера», - говорит она. И это тоже было боевым. «Я тоже была предвзято настроена по отношению к женщинам, - признается она, - потому что хотела быть со всеми парнями. Только я, Ева Хессе и еще двое или трое. Дело было не в том, чтобы соблазнить их, а в том, чтобы воевать с ними или соревноваться с ними. Это было отношение, и это глубоко психологически. И со временем это исчезло».
Учил Дэвид Хокни
Хайльманн переехал на Восточное побережье в 1968 году, а также сделал смелый и совершенно немодный шаг к живописи, среде, которую тогда презирали многие молодые художники нью-йоркской сцены, такие как Роберт Смитсон. «Я начала рисовать, потому что не могла привлечь внимание к скульптуре, - говорит она. Она вспоминает отказ от этого нового направления и художника, который больше всего вдохновил ее заняться живописью среди сверстников. «Я помню, как сидел у Макса, как и Смитсон, с которым я проводил время, и я был его большим поклонником. Когда я учился в Беркли, ко мне приходил Дэвид Хокни, и никто из художников не хотел брать уроки у Дэвида, потому что - по моей теории, я никогда ни с кем не говорил об этом - они были очень консервативны в своей работе. И Дэвид был великолепен. И вот, когда я был у Макса, я сказал Смитсону: «О, моим учителем был Дэвид Хокни». И это привело к целой ссоре. И он сказал: «Я не могу поверить, что мы вообще говорим о нем».
Работы Хейльманна, кроме ярких красок, имеют мало общего с работами Хокни. С самого начала она создавала в основном абстрактные картины, которые, тем не менее, вызывали аспекты реального мира. Тогда, как и сейчас, они обладали прямотой и яркостью, которые предполагали очевидную легкость в их создании Хейльманном. «Такое небрежное отношение к выполнению работы, что-то вроде азиатского ваби-саби, составляет большую часть моей трудовой этики, стиля и философии, а также моего образа жизни, как я живу», - говорит она. «Мне пришлось долго придумывать, как это сделать. Это часть моего фона в размышлениях о работе. Одним из моих главных учителей был Питер Вулкос, он преподавал керамику, и мы родились в эпоху пост-битников, ранней эры хиппи. И мы все были грубыми хиппи, так что делать что-то грубым и грубым было то, что он действительно вдохновлял меня.”
Лак для ногтей и помада
Ключевым фактором в ее работе было ее участие в популярной культуре и других средствах массовой информации, что противоречило преобладающим тенденциям в абстракции, которые стремились к более высоким метафизическим идеалам. Например, две картины были вдохновлены рекламой губной помады и лака для ногтей Revlon 1950-х годов Fire and Ice. «Мода была для меня огромной, когда я только начинал. Я всегда наряжалась во что-то особенное, что также связано с творчеством и искусством. А потом музыкальная культура, танцы и кино».
Группа розово-черных картин, созданных в 1978 и 1979 годах, была написана под влиянием панка и новой волны Нью-Йорка того времени, а их названия взяты из музыки, которую она слушала в студии. «Одной из главных была песня Save the Last Dance for Me, созданная на основе этой ритм-энд-блюзовой песни группы The Temptations», - говорит она. Но работы были плохо приняты. «И мой дилер в то время пришел через пару лет и очень мило и вежливо сказал мне, что они хотят, чтобы я покинул галерею». Но она говорит: "Я сделала его провокационным, потому что он был минимален. А розовый был очень плохим цветом для использования на переднем плане таким образом. Он был провокационным и соблазнительным одновременно".
Кино и видео также влияют на нее. Теперь она «одержима» тем, что фильмы «создаются действительно провокационным, нелинейным способом, редактируются и вырезаются повсюду и вдохновляются искусственным интеллектом, способным перебрасывать линейные идеи повсюду - что полностью влияет на мир, и я думаю, что это полезно».
Работа с движущимися изображениями - продолжающееся слайд-шоу Хайльмана «Ее жизнь» - является частью выставки в Цюрихе. Это происходит из лекции с использованием двух проекторов и звуковой дорожки кассеты (позже презентация PowerPoint), что сделало ее «очень популярной в качестве приглашенного артиста» среди студентов, которым «наскучили» обычные лекции в художественных школах, говорит она. Фотографии в «Ее жизни» привели ее к книге «The All Night Movie», над которой она работала, превращая ее в настоящий фильм. «Я хотела отредактировать это очень умно и сложно, что могло случиться, - говорит она, - но это далеко не все».
На данный момент Хейлманн счастлива рисовать в своей студии в Бриджхэмптоне на Лонг-Айленде, где она провела больше времени, чем когда-либо во время пандемии. Это послужило источником вдохновения для серии фотографий моря. «Энергия океана полностью здесь. И я рисую много волновых картин, которые будут на выставке в Швейцарии», - говорит она. «Океан - большая часть того, почему я здесь живу. Я смотрю на это все время». Это, конечно же, возвращает ее на родное Западное побережье и тамошнюю пляжную культуру. «Я никогда не был серфером. Но я был частью этого мира. Я поехал в Санта-Барбару, где была школа серфинга. Поэтому я называю это зрелищным спортом для себя. И меня действительно интересует геометрия волн и звук, цвет». Волны Хейлманн обладают свежестью, чувством глубокого удовольствия, а также вневременностью, как будто Хейлманн могла нарисовать их в любой момент тех десятилетий, которые она приезжала в Бриджхемптон, - в прошлом, настоящем, будущем, конечно.