Его работа в значительной степени игнорировалась при его жизни. Теперь, когда в Лондоне открывается крупная ретроспектива, жена покойного фотографа вспоминает человека, который «открыл новые горизонты в американском искусстве»
“Знаете ли вы, что дети умеют летать?” - говорит Шерри Тернер ДеКарава с улыбкой.
Историк искусства и вдова Роя ДеКарава, умершего в 2009 году в возрасте 89 лет, ссылается на медитативное изображение, одно из 66, которые в настоящее время выставлены в лондонской галерее Дэвида Цвирнера (до 19 февраля). Это первая выставка, посвященная художнику, в Лондоне более чем за три десятилетия.
На картине Билл и сын (1962) мужские руки сжимают тело новорожденного, одетого в пушистый комбинезон. Этот жест кажется одновременно теплым провозглашением жизни и началом битвы между родителем и ребенком. Как и многие работы ДеКаравы, она одновременно и универсальна, и чрезвычайно лична, представляя, как однажды сказал художник, «момент настолько глубокий, что он становится вечностью».
Как предполагает Тернер ДеКарава, то, что вы видите, не всегда совпадает с тем, что в кадре - в этом случае изображение сильно обрезано, так что ни мужчина, ни ребенок (друг ДеКарава и его сын) не могут быть идентифицированы. И ребенок может быть не там, где мы думаем: жизненная сила, исходящая от работы ДеКарава, - это внимание.
«Когда мы думаем о портрете, мы думаем об изображении лица - и мы принимаем лицо как изображение человека. Но он видел в портрете и другие качества, - говорит Тернер ДеКарава. - И если ребенка держат вот так, то это потому, что он шевелится, даже если мы этого не видим, - и за этим покачиванием будущее. Мы видим мозаику собственного младенчества человека в этой будущей жизни - в конце или в начале у всех нас есть потенциал собраться вместе».
Тернер ДеКарава впервые встретилась с покойной художницей в 1960-х годах, когда работала в Бруклинском музее, куда она пригласила ДеКарава выступить с речью художника. Они поженились в 1970 году, и Тернер ДеКарава неустанно работал над сохранением и контекстуализацией работ ДеКарава, проливая свет на его многочисленные вклады в формирование современного искусства за 60 лет; от его прорывов в технике серебряно-желатиновой печати до его настойчивости в ценности фотографии как формы искусства.
«Это была встреча [созданная] на небесах», - говорит Тернер ДеКарава. «Он имел тенденцию отказывать людям, он не любил говорить о своей работе, но он говорил со мной. Никто не писал о его работах, и это было для меня загадкой, так как она того стоила. Так что я как бы заполнил это пространство, которое должно было быть заполнено работой других, и постепенно так и было». Тернер ДеКарава теперь занимается архивами и имуществом художника в Нью-Йорке.
Собственный путь ДеКаравы начался во времена Гарлемского Ренессанса. Родившийся по соседству в 1919 году, в пять лет он решил, что хочет стать художником. Он продолжал изучать искусство в Cooper Union и Harlem Art Center, а затем работал коммерческим художником. Он начал использовать фотографии в качестве референсов для своих картин, но к концу 1940-х полностью посвятил себя фотографии.
Это был нелегкий путь. В 1950-х годах и спустя долгое время фотография все еще была расцветающей формой искусства с небольшим коммерческим или институциональным признанием или интересом, и ДеКарава оказался вовлеченным в «длившуюся десятилетия борьбу за то, чтобы его работы рассматривались как искусство, это была его критическая и центральная позиция по отношению к важности фотографии», - говорит Тернер ДеКарава. Его первая персональная выставка состоялась почти через 20 лет после того, как он начал фотографировать, в Музее-студии в Гарлеме в 1969 году.
ДеКарава верил в потенциал фотографии, но одно из величайших достижений художника заключается в том, что он постоянно выходил за пределы среды. Не фотография производит впечатление на зрителя, а тщательная хореография серых тонов и форм - абстрагированных, но не стертых - которые исполняют пробуждающий танец с подсознанием.
«Кураторы часто хотят говорить о фотографии как о стиле, но на самом деле он приводит другой аргумент», - говорит Тернер ДеКарава. «Каждое изображение - это отдельный мир, он не делал чего-то, что можно было бы воспроизвести как стиль или подход, или Блэк-арт - это было гораздо сложнее, чем позволяли ему ярлыки, и на самом деле он говорит [в короткометражном документальном фильме «Беседы с Роем ДеКарава», 1983], что приветствует ярлыки, но он нуждается во всех них - и даже больше».
Существуя в «и не только», ДеКарава свободно перемещалась между сюжетами. Он фотографировал людей, часто в движении - знаменитых джазовых музыкантов, которые часто привлекают наибольшее внимание среди его творчества, рабочих, родителей, пары, пары; он фотографировал места, особенно текстуру и гобелен городской среды, двигаясь между сверкающим солнцем и соблазнительной симметрией его неподвижной архитектуры. Несмотря на то, что ДеКарава укоренен в реальности, он создавал образы, которые было трудно найти и которые всегда оставляли физическое пространство, лакуны - «он оставлял место для зрителей, место для людей», - говорит Тернер ДеКарава.
В замечательном произведении «Прихожая» (1953) зритель погружается прямо в чернильный обсидиан длинного зловещего коридора. «Он устанавливает линию где-то в этом пространстве, через которую вы можете войти. Визуальная линия - это художественный эффект, но это также и эмоциональный эффект», - говорит Тернер ДеКарава.
Изображение также автобиографично. «Он вырос в этих бедных коридорах Нью-Йорка, и в детстве они наводили на него ужас, - говорит Тернер ДеКарава. свет был таким рассеянным, и он оказался в странном положении, находя что-то действительно уродливое и пугающее, но неожиданно прекрасное - это противоречие спровоцировало его на состояние ликования».
Фотография 1957 года указывает на еще одну ключевую проблему, связанную с творчеством ДеКаравы. Поразительный и грубый, Man's Back превращает тело человека в холст, на котором мы сталкиваемся с «прожитой жизнью».
«Это действительно прорыв в американском искусстве, и я бы сказал, в мировом искусстве», - говорит Тернер ДеКарава. «Он был способен соединить все эти способности вместе в реалистичной манере, которая действительно передает ценность и важность человека».
Работы ДеКаравы часто рассматриваются в первую очередь из-за его положения чернокожего человека в США и летописца повседневной жизни чернокожих в Америке во второй половине 20-го века. Сам Декарава прекрасно осознавал, как такие интерпретации могут ограничить работу, и решительно выступал против социальной документальной фотографии. Он чувствовал, что для решения проблемы неравенства в его стране необходима другая стратегия. Его работа ищет моменты эйфории и прозрения в повседневности, кульминацию состояний, неподвластных нашему контролю, которые отражают нашу фундаментальную человечность.
«Часть этого выпуска посвящена вопросу о том, что делать с несправедливостью, с гневом - как вы обрабатываете это как личный опыт, в жизни и как художник?» - говорит Тернер ДеКарава. «Рой сильно отличался от других людей, которых я встречал; он был, я бы сказал, безмятежным. У него было это чувство гомеостаза, это качество уровня в его восприятии окружающей среды и того, что происходит в жизни. У него был праведный гнев, но не озлобленность, направленная на справедливость. Эти два качества существовали по отношению друг к другу, и они сообщали тот баланс, которого он достиг для себя лично и в работе».
Личный опыт ДеКаравы, возможно, сформировал его чуткий взгляд с самого начала, но он также обратился к таким художникам, как Винсент Ван Гог, Караваджо, Хосе Клементе Ороско, Давид Альфаро Сикейрос и Кете Кольвиц, за их обращение с человеческой фигурой и их выражение человеческого состояния. Как и художники до него, он остается одним из величайших гуманистов нашего времени.
«Он прославлял личность, и это было частью важности его работы, - говорит Тернер ДеКарава. - У него было такое чувство человечности, это чувство к людям».