Выставка прославляет узоры, но выходит за рамки декора
«Максимализм» переживает момент. Но что это на самом деле означает? В кругах моды и дизайна его используют почти так же часто и пусто, как и все варианты слова «куратор», пошутила куратор Дженель Портер на пресс-показе Less is a Bore: Maximalist Art and Design, ее показе в Институте современного искусства (ICA) в Бостоне (до 22 сентября).
Отправной точкой выставки является знание битвы архитектурных принципов 20-го века, которая началась с того, что Мис ван дер Роэ принял в качестве своей мантры «Меньше значит больше» в 1947 году, чтобы описать строго урезанное минималистское видение. В 1963 году Роберт Вентури остроумно возразил: «Меньше скучно», восхваляя гибкий дизайн, который берет на себя качества и потребности своего региона, а не слепо подчиняется негибким принципам интеллектуального движения.
Войдя в первую из четырех галерей, посвященных выставке, и остановившись перед крупномасштабным линейным рисунком Сола Левитта 1976 года, точно воспроизведенным и установленным сотрудниками ICA с использованием набора указаний художника, я предвкушал летнюю интрижку, направленную на привлечение толп посетителей Бостонского морского порта, которые хотели занятых, декоративных фонов для своих живых историй в Instagram.
Мой подвал недавно заполонила черная плесень, что вынудило меня несентиментально очистить 25% всех моих вещей. Как и многие другие американцы, я наслаждался моментом Мари Кондо: я связывал ясность мысли со спартанскими интерьерами и минималистскими формами художественного выражения, возможно, как способ фильтрации визуальных эффектов в социальных сетях, постоянно призывающих меня приобретать и делать больше. Я ушел с шоу, убежденный, что пора оклеить даже мои потолки обоями.
В дополнение к богатому визуальному обзору мастеров узоров и украшений 1970-х и 80-х годов Портер сознательно включил работы женщин-художников, которые могут быть в значительной степени неизвестны широкой публике, но заслуживают того, чтобы о них знали, включая Мириам Шапиро, Нэнси Грейвс и Ховардена Пинделл. В случае с последней, художницей Цветового поля, которая с опозданием получила свой первый музейный обзор в прошлом году, работа «Артемида» (1986) представляет собой, казалось бы, беззаботную абстрактную игру на сетке и точке, отдающую дань уважения кругу. Это форма, которая преследует Пинделл в практике, связанная с детскими воспоминаниями о посещении Юга и наблюдении в ресторане, что ее стакан был намеренно испорчен красной точкой, чтобы отделить его от небелых посетителей..
В целом, шоу с его массивными шафрановыми и мандариновыми цветами Роберта Заканича, иммерсивным, сладким салоном с игривым влиянием рококо Вирджила Марти и портретом Кехинде Уайли из серии художников о Гаити оказалось подготовленным для историй в Instagram и, что более важно, жизненно важным. Портер рассматривает музейное пространство как гигантский холст, на котором начинаются разговоры о культурном присвоении, гендерной идентичности и теле, инклюзивности, а также о том, кому разрешен или запрещен доступ к учреждениям и рынку искусства и почему. Хотя выставка приятно стирает границы между ремеслом, дизайном и искусством благодаря приверженности узорам, в поле зрения нет ничего, что было бы просто декоративным, даже стулья.
