«Одна из главных причин, по которой художники попадают в беду, заключается в том, что их картины не имеют прочной основы точных и выразительных рисунков», - говорит нью-йоркский художник Джон Демартин. Вот почему его мастерские рисования так полезны для фигураторов.
М. Стивен Доэрти
Когда станет ясно, что нет таблетки, которая бы быстро избавила от боли испорченной картины, Демартин может помочь вам понять, как справляться с основными проблемами, связанными с неточными пропорциями, искаженными чертами или безжизненными формами. Он предлагает различные способы лечения этих распространенных изобразительных заболеваний.
|
Студент внимательно смотрел как Демартин показал ему, как использовать спокойный цвет Conté карандашом нарисовать модель. |
Семинары и уроки Демартина востребованы по всему Северо-Востоку, и он является постоянным инструктором в нескольких ведущих школах искусств в Нью-Йорке и Коннектикуте. Нельсон Шанкс недавно пригласил его провести интенсивный однонедельный семинар для талантливых художников, которые учатся в студии Incamminati в Филадельфии. «К чести Нельсона, он хотел, чтобы я представил его ученикам совершенно иной подход к рисованию фигуры, чем тот, который он использует», - объясняет Демартин. «Для меня было честью сделать это, потому что студенты в Инкамминати были представлены некоторым из ведущих художников-фигураторов в стране, таким как Нельсон, Стивен Ран, Леона Шанкс, Даррен Кингсли, Майкл Гримальди, Дэн Томпсон и Роб Либерас.
«Рисование является неотъемлемой частью процесса создания рисунков», - утверждает Демартин. «Это дает возможность изучить варианты предмета. Художник может быть взволнован идеей и стремительно броситься в живопись без адекватной подготовки, только чтобы обнаружить - часто слишком поздно - что идея не может быть поддержана в течение всего процесса. Потратив время на выполнение подготовительных рисунков, художник может тщательно обдумать и проанализировать идеи и тем самым принять более творческие решения ».
|
Семинар студенты рисовали с их руки полностью вытянуты. |
Лучшая часть семинаров по рисованию Демартин заключается в том, что они предлагают студентам целый ряд подходов к изобразительному рисунку, каждый из которых может помочь с определенными аспектами создания изображений. Например, он предлагает ученикам начинать каждый день с быстрых рисунков жестов, которые подчеркивают непосредственные, линейные аспекты записи активной позы в рисовании линий. «Короткие позы от одной до 45 минут, как правило, больше относятся к линии и жесту, а длинные (один час или более) - к форме и объему», - объясняет он. «Из-за нехватки времени любое обширное моделирование со значениями сделать сложно, поэтому, чем больше я смогу сделать объемных выражений, тем лучше.
«Во многих рисунках более ранних веков иллюзия третьего измерения не была полностью зависима от градаций ценностей, потому что концепция, лежащая в основе контуров, была сама по себе размерной», - продолжает Демартин. «В результате был использован меньший диапазон значений, и рисунки могли быть выполнены за более короткое время. Возможности для реализации захватывающих действий и ритмов увеличиваются, если практикуются короткие позы.
|
Демартин работал напрямую на рисунках студентов чтобы помочь им понять как сделать улучшения. |
«Когда художники проводят часы или дни, работая над одной и той же позой, их рисунки становятся анализом ценностей, связанных с превращением форм из света в тень», - объясняет Демартин. «Подобные исследования больше связаны с академической практикой 19-го века по созданию высоко законченных рисунков гипсовых слепков и моделей, придерживающихся одной и той же позы в течение нескольких дней и недель. Акцент в этом случае делается на тщательном рассмотрении тонкостей в форме.
«Оба этих подхода к рисованию рисунка могут быть полезны для художников, но они также могут привести к их собственным проблемам», - говорит Демартин. «Художники, которые делают только короткие жесты, часто создают стилизованные изображения, которые являются скорее формальными, чем честными реакциями на отдельные модели. И наоборот, художники, которые делают рисунки, которые занимают месяцы, часто заканчиваются механически точными наблюдениями, в которых отсутствует эмоциональное содержание. Комбинируя два подхода, у художника появляется больше шансов на то, что он сможет быстро оценить движение фигур в пространстве, а также сделать точные наблюдения, которые пробуждают суть человека, которого рисуют ».
|
Жест Демартин: Одноминутные жестовые рисунки с Нупастелем на газетной бумаге. |
Демартин рекомендует художникам использовать разные материалы для рисования, но одну и ту же позу при создании этих двух типов рисунков. «Рисование должно выполняться из положения стоя с вытянутой рукой, чтобы движение исходило от плеча, а не только от запястья», - указывает он. «Художники должны видеть как поверхность для рисования, так и модель в пределах своего поля зрения.
«Основная цель в создании быстрых набросков модели с мелом (Nupastel) состоит в том, чтобы запечатлеть ритмические действия и, возможно, некоторое сокращение», - продолжает он. «Я хочу найти действие перед контурами, потому что без этого чувства движения рисунок потеряет свой ритмичный поток. Если позволяет время, я постепенно привожу структуру, концептуализируя ориентацию головы, грудной клетки и таза в пространстве, используя вертикальные и горизонтальные срединные линии. Основное внимание уделяется скорее скелету тела, чем мышцам.
«Линии, описывающие особенности, могут пересекать части тела, поскольку они подчеркивают поток форм и отношения одной формы к другой», - объясняет Демартин. «Например, если рука пересекает тело, художник должен сначала нарисовать непрерывные линии тела, а затем провести руку над этим участком тела. Смысл в том, чтобы сначала захватить действие и контур, и пусть тонкости придут позже.
Жест Демартин:Пятиминутный жест с Нупастелем на газетной бумаге. |
«Рисунки, выполненные в течение длительного периода времени, должны начинаться со среднего древесного угля, помещенного в держатель», - советует художник. «Преимущество древесного угля в том, что его легче стирать и регулировать, если линии не слишком темные. Кроме того, благодаря своей мягкости, древесный уголь скользит по бумаге и дает смелый и простой старт ».
Как только Демартин удовлетворен пропорциями и размещением фигуры на бумаге, он указывает область тени в процессе, который он называет постеризацией. «Одна вещь универсальна для коротких и длинных поз: сначала нужно ставить тени, потому что они помогают художнику сравнивать другие ценности в свете», - подчеркивает он. «Я создаю одно плоское значение для источников света (белого цвета бумаги) и одно плоское значение для теней с заштрихованными линиями, которые создают светлый тон. Значение не имеет значения, только графическая интерпретация шаблона тени. Важно понять, какие формы находятся в тени, а какие нет, потому что художники часто принимают темные значения в свете за тени ».
Когда он удовлетворен основным рисунком древесного угля, Демартин стирает большую часть мягкого угля, оставляя лишь слабое изображение на белой бумаге. «Это дает мне шаблон или руководство для финальных этапов рисунка», - объясняет он. «Затем я перерисовываю фигуру с использованием сжатого угля, который является более постоянным, и уделяю больше внимания точности рисунка по сравнению с моделью.
«Я разрабатываю тени аддитивным способом, наращивая слои древесного угля», - говорит Демартин, объясняя, как рисовать длинные позы. «Сначала я втираю ровную ровную массу теней, а затем использую пень древесного угля, чтобы растопить тени в бумаге. Это служит хорошим сопоставлением со значениями в свете, которые более спонтанно нарисованы штриховкой. В более длинных позах трехмерная иллюзия рисунка выражается главным образом через значения света и тьмы. Плоскости в форме, которые отворачиваются от источника света, темнеют, приближаясь к линии тени. Это градации значений в форме, которые передают иллюзию округлости. Чем круглее форма, тем больше градаций.
|
Жест Демартин: Двадцатиминутный жизненный рисунок с Нупастелем на газетной бумаге. |
Количество времени, которое студенты проводят на краткосрочных и долгосрочных рисунках, частично зависит от уровня их квалификации. «Если у студентов не было большой подготовки, я трачу меньше времени на короткие позы и больше на длинные позы, потому что слишком трудно обучать неквалифицированного художника в мастерской, которая длится всего несколько дней», - объясняет художник. «Начинающим лучше заниматься вопросами, непосредственно связанными с рисованием, такими как значения, формы и края, а не жестами. Обычно им легче работать с пропорциями, масштабом и проекцией, если модель удерживает одну и ту же позу в течение нескольких часов ».
Чтобы показать, насколько полезным может быть рисование для художника, Демартин предлагает подробный обзор развития одной из своих последних картин - «Бильярда». Многочисленные миниатюры, линейные рисунки, исследования стоимости и композиционные диаграммы помогли создать прочную основу, которая, по мнению Демартин, так важна для хорошей живописи.
Внутренняя сцена бильярдного зала начиналась с рисунка быстрым жестом и развивалась в результате серии композиционных исследований. «Мне запомнился бильярдный зал, который я посетил в 1970-х годах, который я сфотографировал и несколько лет спустя превратил в грубый графитовый рисунок в альбоме 3х-5», - вспоминает он. «Эскиз был свободным указанием на двух мужчин, играющих в бильярд, когда они стояли возле окна. Спустя годы я представлял себе картину, которую можно было бы включить в выставку «интерьеров» в галерее Джона Пенс в Сан-Франциско. Я представлял, что в нем много атмосферы, вызванной высокой контрастностью яркого света и глубоких теней ».
Сделав больше рисунков, чтобы изучить идею и запечатлеть образ в своем уме, Демартин попросил друга позировать одного из игроков пула и нарисовал зеркальное отражение своего тела для другого человека. «Я сделал несколько рисунков на лозе древесного угля, чтобы получить действие и характер, затем я сделал более тщательные рисунки на тонированной бумаге, используя сжатый уголь и белый мел», - объясняет он. «Я полностью положился на эти рисунки, когда начал рисовать».
Так же, как он меняет тип рисунка, который он использует, DeMartin также использует различные методы рисования. «Мне полезно учиться у художников, которые исследовали два разных способа разработки картин, каждый из которых приводит к разным результатам», - признается художник. «Майкл Авиано объяснил, как использовать однотонную окраску, а Нельсон Шэнкс научил меня работать с цветовыми отношениями с самого начала. Я нахожу случаи, когда тот или иной подход может наилучшим образом служить моим намерениям.
«В случае бильярда я решил создать монохроматическую основу, сначала запечатав линии рисунка тонкой смесью коричневой охристой краски старой Голландии, а затем раскрасив полноценную монохроматическую основу жженым янтарем», - продолжает Демартин. «Монохроматическая подкраска дает преимущество, позволяя картине« дышать », особенно в темных местах. Это создает хороший баланс непрозрачности и прозрачности, а также богатство текстур. Как только это стало абсолютно сухим, я начал рисовать в цвете за несколько проходов, чтобы достичь уровней прозрачности и непрозрачности, необходимых для готовой покраски. Когда я наслоил местные краски на фундамент, я был бдителен, чтобы держаться за ценности под ними ».
Демартин подчеркивает, что существует не один рекомендуемый подход к рисованию или рисованию. Для художников важно помнить, что некоторые рисунки помогут выбрать элементы рисунка, установить композицию линий и значений и решить потенциальные проблемы. «Всегда полезно иметь методы, основанные на твердых принципах, которые при усердной работе дают успешные результаты», - заключает он. «Только благодаря способности впервые запечатлеть жизнь на рисунках художники могут воплотить свое видение».